Breast sculptor 151

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Michelangelo Buonarroti escultor italiano. pintor. y el arquitecto. segundo. en Caprese en el valle del Arno superior 6 de marzo de 1475 d. en Roma. 18 de febrero de 1564. Miguel Ángel, uno de los más grandes artistas de todos los tiempos, provenía de una noble familia florentina de los medios pequeños, y en 1488 fue aprendiz de Domenico Ghirlandaio. Mientras aprendiz, que excitó la admiración de su amo por la animación realista de estos dibujos, y por recomendación Ghirlandajos, y el deseo de Lorenzo el Magnífico, que recibió formación adicional (1489-92) en el palacio de los Medici. en la escuela de escultura a continuación, bajo la dirección de Bertoldo. uno de los alumnos Donatellos. Como estudiante y residente en el palacio, Miguel Ángel vivió con Lorenzos hijos en la sociedad más distinguida de Florencia. y en este tiempo fue presentado por el poeta Poliziano en el círculo de los eruditos de la Academia y a sus actividades aprendidas. Por su parte, Miguel Ángel estaba estudiando con notable éxito los frescos de la capilla Branacci. Después de la muerte de Lorenzos ha pasado el tiempo en parte, en casa, en parte, en el monasterio de Santo Spirito. donde se ocupó de los estudios anatómicos, y en parte en la casa de Pedro de Médicis. quien, sin embargo, fue desterrado en 1494. Casi al mismo tiempo Miguel Ángel dejó Florencia por Bolonia. Volvió en 1495, y comenzó a trabajar como escultor. tomando como modelo las obras de sus predecesores y las obras maestras de la antigüedad clásica, sin embargo, sacrificar su individualidad. En 1496 se trasladó a Roma. a donde su fama le había precedido, y permaneció allí trabajando como escultor hasta 1501. De regreso a Florencia. se ocupó en su pintura y la escultura hasta 1505, cuando el Papa Julio II lo llamó a entrar a su servicio. Después de esto, Miguel Ángel fue empleado alternativamente en Roma y Florencia por Julius y sus sucesores. León X, Clemente VII. y Paul III siendo sus clientes especiales. En 1534, poco después de la muerte de su padre. Miguel Ángel dejó Florencia para no volver jamás. Los nuevos acontecimientos de su vida están estrechamente relacionadas con sus trabajos artísticos. Algunas semanas después de su muerte, su cuerpo fue llevado de vuelta a Florencia y unos meses más tarde, un servicio conmemorativo señorial se llevó a cabo en la iglesia de San Lorenzo. Su sobrino, Leonardo Buonarroti, erigió un monumento sobre su tumba en Santa Croce, para los que Vasari. su conocida alumno y biógrafo, proporcionó el diseño, y el Duque Cosimo de Medici el mármol. Las tres artes se representan como luto sobre el sarcófago. por encima del cual es un nicho que contiene un busto de Miguel Ángel. Un monumento fue erigido en su memoria en la iglesia de los Santos Apóstoles, en Roma. en representación de él como artista con el atuendo de trabajo, con una inscripción: Tanto nomini nullum par elogium. (Ningún elogio es suficiente para que un hombre tan grande.) Miguel Ángel era un hombre de carácter polifacético. independiente y persistente en sus puntos de vista y sus esfuerzos. Su característica más llamativa fue una determinación robusto, guiado por un noble ideal. Incansable. trabajó hasta muy avanzada en años, a costa de grandes sacrificios personales. No era, sin embargo, inflexible hasta el punto de obstinación. Sus producciones en todos los departamentos de arte muestran la gran fertilidad de su mente. En la literatura era un estudiante dedicado y admirador de Dante. Una copia de la Divina Comedia, ornamentado por él con dibujos marginales, por desgracia, se ha perdido. Imitando el estilo de Dante y Petrarca. escribió versos, canzoni, y especialmente los sonetos, que no son sin valor, y excitan la sorpresa por su calidez del sentimiento. Algunos de sus poemas dar expresión a un afecto idealmente pura. Nunca se casó. Un seriedad popa es característico del escultor. pero la ternura de su corazón se muestra en su amor conmovedora y solicitud por su padre y hermanos. Aunque aparentemente absorto en su arte, y, a menudo estrechos en las circunstancias, siempre estaba dispuesto a ayudar a ellos con palabras y obras. Le enviaré lo que usted exige de mí, escribió, incluso si tengo que vender a mí mismo como un esclavo. Después de la muerte de su padre concibió un profundo afecto por un joven romano. Tommaso de Cavalieri. y también entró en íntima amistad con la poetisa de mentalidad noble, Vittoria Colonna. entonces más allá de su juventud. Con sus alumnos, Vasari y Condivi, que estaba en los términos más cordiales, y un criado que tenía veintiséis años en su empleo experimentó su recompensa. Las biografías que tenemos de los alumnos que acabamos de mencionar y las letras del propio Miguel Ángel dan testimonio de los rasgos más suaves de su carácter. Dio artistas más jóvenes la ayuda generosa de sugerencias, dibujos y diseños, entre otros a Sebastiano del Poimbo, Daniele da Volterra. y Jacopo da Pontormo. Miguel Ángel tenía pocas necesidades personales y fue inusualmente abnegada en el vestir y la dieta. Savonarolas sermones. que recordó pesar de su avanzada edad, probablemente le influyó en cierta medida a adoptar esta austeridad de la vida. Por otra parte, la gravedad de su propia mente le hizo darse cuenta de la vanidad de los ideales terrenales. Su espíritu estaba siempre absorto en una lucha para alcanzar la perfección. Sin embargo, con todo esto no era altivo muchos de sus dichos que han llegado hasta nosotros mostrarle haber sido inusualmente modesto. La explicación de su falta de voluntad para tener la ayuda de asistentes debe buscarse en la peculiaridad de sus métodos artísticos. la vida de Miguel Ángel fue uno de los ensayos incesantes, sin embargo, a pesar de un carácter imperioso y muchas enfermedades corporales que mostró una notable compostura y tolerancia. No importa cuántos problemas le fue causado por sus distinguidos clientes rara vez falló en la lealtad a ellos. Era igualmente fiel a su ciudad natal, Florencia. aunque la confusión política que reinaba allí arrancó a él muchas quejas. Se le obligó a pasar la mitad de su vida en otro lugar, sin embargo, él deseaba acostarse después de la muerte de Florentino tierra ni podía las ofertas más atractivas inducirlo a abandonar Italia. Un Otorga contemporáneos elogio que parece justificada. cuando dice que Miguel Ángel en todos los noventa años de su vida nunca dio ningún motivo para sospechar de la integridad de su virtud moral. Escultura Primer período Si los años anteriores a 1505, es decir, antes de la citación de Julio II. tomarse como Michelangelos juventud, se puede decir que, aun cuando un alumno en la escuela Bertoldos. Llamó la atención no sólo por su trabajo en arcilla y por el jefe de un fauno de mármol después de un modelo clásico, pero sobre todo por dos bajorrelieves de mármol de su propio diseño. La Virgen sentada en un escalón, al pulsar el niño contra su pecho bajo su manto, muestra, es cierto. pero poca individualidad. gracia. y la ternura, aunque tal vez por esta misma razón aún más la dignidad. Michelangelos estilo posterior es más fácilmente reconocidos en la Batalla de los Centauros, lo que representa un gran grupo de figuras, anatómicamente bien dibujados, comprometido en una lucha apasionada. Se dice que después de años en el artista, al referirse a este grupo, expresó su pesar de que no se había dedicado exclusivamente a la escultura. Él parece haber tomado la concepción de este trabajo a partir de un relieve en bronce de Bertoldo y haber imitado el estilo de Donatello. Michelangelos trabajo sin duda recuerda Donatello en el ropaje de la Virgen antes mencionada y en la forma realista en el que se expresa el sentimiento de esta composición. Después de la muerte de Miguel Ángel Lorenzos produjo un mármol de Hércules de tamaño heroico que fue tomado de Fontainebleau y desde entonces ha desaparecido. Thode. Sin embargo, parece haber encontrado el crucifijo que Miguel Ángel esculpió para la iglesia de Santo Spirito. El cuerpo de esta es casi enteramente libre de la cruz no hay dolor intenso expresado en el rostro juvenil, y las manos y el pelo no está completamente resuelto. El San Juan en el desierto, con el panal, ahora en Berlín. es probablemente el San Giovannino que Miguel Ángel ejecutado en Florencia en 1495. El modelado realista de la cabeza y las bellas líneas del cuerpo muestra un estudio de ambos modelos clásicos y modernos. Poco después de esto Michelangelo completó varias figuras para el santuario de Santo Domingo, que Niccolo dell Arca había dejado sin terminar. Una figura de una deidad pagana fue el motivo de Michelangelos primera visita a Roma. y una estatua de Baco tallada por él en esa ocasión se conserva en Florencia. Este trabajo, que es el resultado del estudio de la antigüedad, no es más que una bella y algo intoxicado juventud. Mucho más importante es la Piedad ejecutados en 1499 para la capilla francés en St. Peters. Una calma, pacífica expresión de dolor se apoya en todas las figuras del grupo. La cara de la madre tiene la belleza juvenil de la cabeza está inclinada, pero ligeramente, pero expresiva de dolor santo. Su ropaje está en magníficas pliegues por debajo del cuerpo del Salvador. Esta última no es todavía rígido y revela sólo ligeras huellas del sufrimiento padecido, especialmente el noble rostro tan lleno de paz divina. No los labios, pero la mano muestra la intensidad del dolor en el que se sumerge el alma madres. Cuando sesenta años Michelangelo desea ejecutar una Piedad. o, más correctamente, un Lamentación de Cristo por su propia tumba. El grupo sin terminar se encuentra ahora en la catedral de Florencia. y está en todo menos idealmente concebido de la Piedad que acabamos de mencionar. El cuerpo de Cristo es demasiado floja, y Nicodemo y María Magdalena son algo duro en el modelaje. Esta Piedad fue roto en pedazos por el maestro, pero fue puesto posteriormente entre sí por otras manos. Dos relieves circulares de la Virgen y el Niño, uno ahora en Londres y uno en Florencia. pertenecer a la etapa de juventud escultores. En el relieve florentina, sobre todo, la intensidad del sentimiento se combina con un encanto elegante. La madre y el niño están pensando, evidentemente, un pasaje de la Escritura que los llena de tristeza los brazos y la cabeza del niño en el resto del libro. Un grupo de tamaño natural de aproximadamente la misma fecha en la iglesia de Nuestra Señora (glise Notre-Dame), en Brujas muestra a la Virgen de nuevo, lleno de dignidad y seriedad con elevado de porte, mientras que el Niño. algo mayor que la que acabamos de mencionar, es absorbida en el pensamiento intenso. En contraste con Raphael. Miguel Ángel buscaba expresar la grandeza divina y la pena exaltada en lugar de encanto humano. Trabajó en su totalidad de acuerdo a sus propios ideales. Sus creaciones recuerdan la antigüedad clásica por una cierta frialdad, así como por la cepa de poder sobrehumano que los caracteriza. Para segundo período Michelangelos segundo periodo creativo (comienzo 1505) pertenece a la estatua de Cristo que talló para la iglesia de Santa María sopra Minerva. Fue enviado a Roma en 1521 a cargo de un asistente que fue añadir algunos últimos toques a la estatua cuando se puso en posición. El Salvador. una figura de mármol de tamaño natural, sostiene la cruz. esponja, y la varilla de hisopo. El rostro, serio, casi duro, se gira a la izquierda, como diciendo: Mi pueblo, lo habéis hecho a mí sin embargo correctamente, la figura no es la del Salvador sufriente. sino del Salvador resucitado y por lo tanto desnudo, según el deseo del cliente que tiene la comisión. La época del Renacimiento. en su ardor por el desnudo, pagados sin tener en cuenta el decoro. En una fecha posterior un taparrabos de bronce, por desgracia, demasiado largo, fue colocado en la estatua. De conformidad con el espíritu con que se concibe toda la composición, la figura de Cristo no es rígida y severa como la estatua de un dios antiguo, sino que expresa una humanidad resignada. Un Apolo juvenil producida o menos al mismo tiempo tiene también poco del clásico en su diseño. Un Adonis morir se acerca más a los modelos clásicos en su concepción. Pero la gigantesca David. la forma de realización de la joven audaz fresca, en realidad, una representación de un muchacho noble, se asemeja a un dios antiguo o héroe. Difícilmente puede decirse que el tamaño colosal, sobre los pies de doce años y medio, es adecuado para un joven sin embargo, el hecho de que él le está preparando, o más probablemente, la acción que acaba de terminar, es un acto de coraje. La mano derecha está medio cerrada, la mano izquierda con la honda parece estar volviendo al hombro, mientras que la mirada sigue la piedra. La cifra se asemeja a la de un antiguo atleta. El cuerpo está desnudo, y toda la belleza de las líneas de la forma humana es sorprendentemente llevó a cabo. En 1508 Miguel Ángel accedió a tallar los doce Apóstoles de tamaño heroico (pies alrededor de las nueve y media alta) para la iglesia de Santa María del Fiore, sino de toda la serie sólo la figura de San Mateo. un diseño grande y audaz, fue cortado en bruto. Del mismo modo, ejecutó, pero cuatro de los santos que eran para decorar la capilla en memoria de Pío II y dejó el resto de la obra inacabada. Una estatua de bronce de David con la cabeza de Goliat debajo de sus pies fue enviado a Francia y desde entonces ha desaparecido. Un bosquejo de la pluma y tinta de esta estatua se encuentra todavía en el Louvre. Sus poderes completamente maduras, Miguel Ángel entrado ahora en el servicio de los papas y se le encomendó la realización de dos grandes empresas. En 1505 Julio II lo llamó a Roma para diseñar y construir para el Papa un monumento sepulcral señorial. El monumento iba a ser una estructura de mármol de cuatro lados en dos maldiciones. decorado con unos cuarenta figuras de tamaño heroico. Miguel Ángel pasó ocho meses en Carrara supervisando el envío del mármol de Roma. Se esperaba que en la realización de esta comisión para ejecutar una obra digna de los tiempos clásicos, uno que contiene figuras que soportarían la comparación con la Lacoon entonces recién descubierto. Sus planes, sin embargo, fueron llevados a la nada por un repentino cambio de actitud por parte de Julio. que ahora comenzó a considerar la reconstrucción de San Pedro después de que los diseños de Bramante. Julius se puede decir que han impulsado Miguel Ángel de la corte romana. Temeroso de la malicia de los enemigos, huyó Buonarroti en la desesperación a Florencia y, haciendo oídos sordos a las súplicas papas para volver a Roma. se ofreció a seguir con el trabajo para el monumento en Florencia. Para esto, sin embargo, Julius no escuchar. En su exasperación Michelangelo estaba a punto de ir a Constantinopla. Sin embargo, a invitación del Papa. en la última parte de 1506, se fue a Bolonia. donde, en medio de las mayores dificultades y, en circunstancias difíciles, echó una estatua de bronce de Julio II. tamaño de heroica. Esta efigie fue destruida durante una revuelta contra Julio en 1511. Una vez más, en Roma. se vio obligado, por el momento de abandonar el proyecto para el monumento a Julius y, en contra de su voluntad. para decorar la Capilla Sixtina con los frescos. Julio II vivió sólo el tiempo suficiente después de la finalización de los frescos para preparar su monumento en su voluntad. Después de su muerte en 1513 se hizo un contrato formal para la construcción del monumento. De acuerdo con este nuevo acuerdo el monumento ya no iba a ser una estructura independiente, pero iba a ser colocado contra la pared de la iglesia en forma de una capilla. El plan para la estructura era aún más magnífico que el diseño original, pero al final fue abandonado. tanto a causa de su tamaño y de otras circunstancias que surgieron. El nuevo papa. León X de la familia Medici. era un amigo de juventud de Miguel Ángel y mirando a él con mucho favor, pero tenía nuevos diseños en referencia a él. Después de Miguel Ángel había trabajado durante dos años en el monumento a Julius. El Papa León. durante una visita a Florencia. le había mandado, para construir una nueva fa señorial los trastornos políticos en su ciudad natal le llenaron de dolor, y los años trajeron consigo enfermedades en constante aumento. En 1545 los diseños, algunos de los cuales aún existen, para el monumento de Julio II se llevaron a cabo en una escala mucho más reducida. El monumento se encuentra en la iglesia de San Pietro in Vincoli, en el centro del curso inferior del monumento entre dos figuras más pequeñas se coloca la gigantesca estatua de Moisés. el cual fue pensado originalmente para el curso superior, donde habría hecho una mucho más poderosa impresión. Cuando se ve muy cerca, la crítica puede hacerse que la expresión es demasiado violento. no hay razón suficiente para que las venas hinchadas en el brazo izquierdo, los hombros son demasiado grandes en comparación con el cuello, la barbilla y la frente que hasta los pliegues de la túnica no son naturales. Sin embargo, visto desde una distancia, es precisamente estas características que producen el efecto deseado. La gran estatua. que es de tamaño doble vida, tenía la intención de expresar la ira contenida y dolorosamente poderosa del líder de un pueblo de dura cerviz. Es evidente que una alusión a la destreza guerrera de Julio II estaba destinado y que el escultor aquí, como en muchas de sus otras empresas, ha plasmado su propia concepción de la fuerza tremenda. La forma en que se captan las Tablas de la Ley, el brazo desnudo y la rodilla derecha. la espesa barba y los cuernos aumentan el efecto que tiene por objeto. Las figuras que flanquean de Rachel y Leah. símbolos, respectivamente, de la vida contemplativa y activa, fueron tallados por el propio Miguel Ángel, pero no son tan satisfactorios como los de Moisés. El monumento en sí y las cifras sobre el curso superior no fueron ejecutados por el gran maestro, a pesar de que fueron elaborados de acuerdo a sus sugerencias. Por otro lado, dos figuras con grilletes fuera de la serie planeada por el escultor están en el Louvre, aunque incompleta. Los esclavos estaban destinadas a tipificar el poder del Papa en los dominios de la guerra y el arte, y estaban de pie delante de los pilares hermas, donde las consolas ahora son invertidas. En los esclavos en el Louvre la antítesis entre la resistencia a los grilletes y la sumisión a lo inevitable se expresa con notable habilidad. También hay en Florencia algunas figuras inacabadas que pertenecen a este monumento, a saber, un vencedor de rodillas sobre un enemigo caído, y otros cuatro cifras, que no son más que bloqueaban. Sobre el momento de la finalización de este monumento Miguel Ángel esculpió un busto de Bruto sorprendente como el héroe de la libertad. Miguel Ángel consideraba la libertad de su ciudad natal como perdido después de la segunda vuelta de los Medici del exilio y la asunción del control de los asuntos de Alessandro y Cosmo de Médicis. El dolor que esto le causó sugirió el busto de Bruto, y proyecta una sombra sobre las tumbas de Giuliano y Lorenzo de Medici en la capilla hablado de arriba. La mayor parte del trabajo en la capilla. sin embargo, se había hecho antes de este tiempo. y así la expresión de la tristeza amarga debe ser explicada por la depresión general del artista no menos que por su incapacidad para darse cuenta de su alto ideal, que también es responsable de la característica penumbra de sus otras creaciones. Doce figuras incluidas en el diseño original para el monumento sepulcral de los Medici nunca fueron talladas. De acuerdo a la disposición Vasaris en 1563, una figura sentada de Giuliano se coloca en un nicho superior de uno de los monumentos, mientras que las figuras simbólicas que representan el día y la noche de reclinación en un sarcófago a continuación. Si las palabras de Miguel Ángel han sido entendida correctamente, estas figuras simbólicas deben ser considerados como luto por la muerte prematura del duque, y, como el duelo que la vida para él no había sido digna de ser vivida. No ver, ni oír debe ser la felicidad para mí, son las palabras atribuidas a la noche, que se representa como una gigante hundido en el sueño pesado e incómodo, y simbolizados por una máscara, un búho, y un montón de cabezas de adormidera. La otra figura alegórica, Día, un hombre, se representa como que no tengan ganas de despertar a sí mismo a la acción. El plan del segundo monumento es similar a la de la que acabamos de describir las figuras de la tarde y Dawn hacen que la misma impresión que los de la noche y el día. Los dos duques mediceas están perfectamente tratados como los antiguos guerreros, en lugar de retratados como en la vida. En la estatua de Giuliano es el excelente modelado de las diferentes partes que deleita los ojos de la estatua de Lorenzo el encanto reside en la postura y la forma en la que la cara está ensombrecida por el casco. Esta figura de Lorenzo lleva el nombre de Il Penseroso (el Meditativa). Contra la pared de la capilla se encuentra la Madonna sin terminar y realmente sin éxito y el niño la pose de la Virgen es único. Pinturas de Miguel Ángel dijo una vez que no era un pintor en otra ocasión declaró que no era un arquitecto. pero en realidad era a la vez. 1503 pintó una familia santa, ahora en Florencia, en el que la Virgen sostiene al Niño por encima del hombro a San José, que se encuentra detrás. En este lienzo Miguel Ángel se aparta de la tradicional representación de la Sagrada Familia, la agrupación pintoresca de figuras desnudas en el fondo, incluso más que por la completamente nueva postura de la madre y del niño. Un Entierro de Cristo, ahora en Londres. es sin terminar. Al igual que Leonardo da Vinci. el más grande pintor de la época, Miguel Ángel hizo un gran número de bocetos. También entró en competencia con ese artista famoso por llevar a cabo (1504) una batalla pieza que era para adornar la pared de enfrente de Leonardo Batalla de Anghiari en la gran sala del consejo del palacio de la Señoría. llamado el Palazzo del Priori, y ahora la Ciudad-pasillo de Florencia. Como Michelangelo justo en esta fecha entró al servicio de los papas. la caricatura se preparaba nunca se llevó a cabo y ahora se pierde. Después de años de desacuerdo con Julio II se inició la pintura de la Capilla Sixtina en 1508, y en 1512 fue descubierto el techo. Miguel Ángel, que no era un pintor de frescos, ejerció todo su poder de la mente y el cuerpo, abandonando su preferencia por los efectos de la escultura con el fin de expresar sin ayuda y en desafío de los envidiosos. el ideal completo de sus concepciones en este medio insólita. Creación. la caída. y la preparación para la venida del Redentor constituyen el objeto del fresco. El pintor divide primero y cerrado el techo con arquitectura pintada que se formó una fama por los frescos de la cornisa de este marco en la parte ancha de la capilla está adornada con las figuras de jóvenes desnudos. Los nueve campos de la bóveda lisa contienen la historia de la raza humana pecadora por lo que Noé. Alrededor de la cúpula. entre las lunetas. están abovedados espacios triangulares o pechinas en estos profetas y sibilas son colocados. junto con niños-ángeles. todos apuntando a la redención se acerca. En las lunetas de las ventanas y en los espacios triangulares saltó por encima de las lunetas están representados los antepasados ​​de Cristo. El sujeto, arreglo, y la excelencia técnica de estos frescos siempre han excitado la mayor admiración. El Divino, lo profético. y lo humano están más felices expresa la concepción de la primera es original de los profetas y sibilas tienen maravillosa individualidad. y gran habilidad se muestra en el manejo de la pañería, mientras que los seres humanos están representados en acción animada. El arquitecto creó el hermoso división del espacio y las proporciones exactas, el escultor produjo las figuras anatómicamente correctas, y el pintor sabía cómo combinar formas y colores en perfecta armonía. Después de la finalización de la obra de Miguel Ángel ya no podía lamentar que había sido forzada sobre él contra su voluntad. Igualmente famoso es el gran fresco del Juicio Final que pintó en el altar de la pared de la capilla (1535-1541). En este fresco, sin embargo, la desnudez de las figuras suscitó objeciones, y se han pintado sobre por varias manos. El juicio final ha sido más ennegrecido y desfigurado por el tiempo que la pintura en el techo de la Capilla Sixtina. La arquitectura de la comisión dada por León X para la reconstrucción de la fachada de la iglesia de San Lorenzo. que ya ha sido mencionado, terminó en una amarga decepción de Michelangelo. Él produjo muy rápidamente un diseño bien para la parte delantera e hizo los primeros preparativos para el trabajo. Después de cuatro años (en 1520) el contrato fue rescindido sin nada haber sido cumplido. Sin embargo, la comisión que Miguel Ángel recibió de Giulio de Medici. después, Clemente VII. para una capilla funeraria para la familia Medici no fue revocada. y la capilla se terminó en 1524. Es un edificio sencillo coronado por una cúpula. Su único propósito es mantener los monumentos. Nunca se utilizó el diseño de Miguel Ángel para la ampliación de San Juan de Fiorentini en Roma. También produjo diseños para la Piazza del Campidoglio (Capitol) y la Porta Pia. Es un hecho notable que los ciudadanos de Florencia en 1529 le nombraron ingeniero en jefe de las fortificaciones de la ciudad. Más importante fue su nombramiento como arquitecto jefe para la reconstrucción de San Pedro por el Papa Pablo III. después de la muerte de Sangallo (1546). Mantuvo esta posición diecisiete años. Miguel Ángel lleva a cabo, con algunos cambios, planes Bramantes para el nuevo edificio y rechazó las de Sangallo. Su propio trabajo es sobre todo la magnífica cúpula. Se completó el tambor, pero no, sin embargo, la cúpula superior. El modelo de arcilla hecha por sus propias manos es todavía para ser visto en el Vaticano. La muerte pone fin a una vida llena de fama y el éxito, sino también llena de sufrimiento y el dolor de una vida en la que un gran genio hizo demandas que no podían ser satisfechas. Las ambiciones de Michelangelo eran insaciable, no tanto debido a su deseo de renombre, como a su esfuerzo casi gigantesca después de que el ideal absoluto del arte. Por esta razón creaciones Michelangelos llevan el sello de su subjetividad y de sus esfuerzos sin descanso para lograr los más altos ideales por los nuevos métodos. Se logra mucho que era extraordinario en tres o cuatro departamentos del arte, pero al mismo tiempo se rompió a través de muchas limitaciones prescritas por las leyes de la belleza en todas las artes, voluntariamente sin tener en cuenta, a veces, en su modelado de la figura humana, incluso que la fidelidad a la naturaleza que estimaba tan altamente. La forma en que señaló era peligroso, puesto que condujo directamente a la extravagancia, que, aunque tal vez soportable en Michelangelo oscurecido incluso la fama de Raphael se balanceaba no sólo de su misma edad, pero las generaciones venideras.